游走于光色路途 从印象派出发——中小微企业成长大讲堂之“西方艺术鉴赏”

　　主  题：西方艺术鉴赏——从印象派讲起

　　时  间：2014年7月18日，14:30

　　主  讲：黄进明

　　主  办：北师大国家大学科技园  北师大留创园  中关村国大中小微企业成长促进会

　　承  办：雅众艺术网

　　地  点：北师大科技园大师咖啡

　　编  辑：陈伟伟 张蕾（雅众艺术网)

　　【编者按】

　　本期中小微企业成长大讲堂主讲黄进明先生，畅谈西方艺术，从印象派讲起，其间涉及古典主义、学院派、印象派、后印象派、现实主义、立体主义、超现实主义……，带你领略艺术大师们的艺术世界与生活，达维特、安格尔、莫奈、马奈、德加、毕沙罗、修拉、雷诺阿、塞尚、梵高、高更、毕加索……

　　天边焰火弥漫，白昼即将到来。日出，从印象出发（莫奈?日出印象），开启光色之旅。沿途，走过清新明净的乡村小路（毕沙罗?瓦赞村口），听少年吹一首醉人的曲子（马奈?吹笛子的少年），牵着芭蕾舞女的手跳一支欢快的舞（德加?芭蕾舞女），躺在软软的草地上享受悠闲的下午时光（修拉?大碗岛星期日的下午），饿了啃一口悬在半空中的果子（塞尚?静物），大步登上塔希提岛，过一回原始朴素又神秘的日子（高更?塔希提的年轻姑娘）。夜幕降临，用手指在穹幕上，戳几个窟窿，画几个圈圈，在深邃的星空包裹下做梦（梵高?星夜），梦见长着两张脸的少女（毕加索?梦）。醒来，跳进金色的麦田游泳（梵高?麦田与柏树），游啊游……

　　【主讲老师】

　　黄进明。1963年出生于河南洛阳，1983年毕业于河南安阳师范专科学院，专修油画和雕塑。2003年在洛阳市第五人民医院（精神病医院）义务为心理病人和精神病人教授绘画，期间一直未间断绘画和雕塑的创作。其作品在佛罗伦萨、博罗尼亚、马德里ARCO等艺术博览会受到高度评价，部分作品被博物馆收藏。

　　黄进明：今天为大家讲西方当代艺术，我们从印象派开始，它是西方传统艺术发展到当代艺术的一个节点。

　　在印象派之前的众多流派中，其中有一个非常著名——古典主义，这是印象派产生的背景。法国大革命以后，以古典主义为主流的艺术流派统称为古典主义，其中有两个代表人物，一是达维特，一是安达。达维特的《荷拉斯兄弟的誓言》，取材于古希腊神话故事。历史的推进，使得当时法国和欧洲文化发展的主流垄断了艺术领域，这和现在的中国有点接近，也有主流文化，当时主导的就是以达维特为代表的主流文化，他的绘画非常了得，另一方面他又积极从事政治运动，至少相当于法国文化部部长的角色，在当时非常具有影响力。

　　《拿坡仑穿越阿尔卑斯山》是达维特的古典主义作品，是传统的、积累很多年的根深蒂固的艺术形式。《马拉之死》中的马拉是法国大革命时期的革命者，也是一个暴君，和是达维特很好的朋友，他滥杀无辜，非常血腥。在推翻统治者后，被一个女性杀死。这是达维特的代表作，有着古典的特殊的美和抒情。达维特是附庸政治的人，逢迎当时的时代趣味，与拿坡仑，还有当时统治者的关系非常密切。达维特最后死得很悲惨，作为艺术家的他成为暴力统治者的帮凶，晚年被逐出了法国，流亡意大利。

　　安格尔也是古典主义的代表人物，《泉》是中国改革开放之初接触的最早的西方人体画。他的画十分精美，不管是刻画，还是表现，他的写实能力和表现能力在历史上我认为是没有人能超越的。古典主义以精致的刻画和客观的描绘著称，《布罗格里公主》中，裙子的质感和思想的表达都有所体现，安格尔把写实主义绘画作为传统的学院派的代表将古典主义推向了一个高度。印象派出现之前，古典主义在欧洲占据垄断的地位。

　　印象派 | 阳光、空气、色彩 

　　在这种土壤中，怎么会孕育出印象派？当时的主流文化活动以沙龙形式为主，学院派和古典主义占据了主流文化和沙龙的主导地位，而那些进入不了主流的一群人私下搞了一些创作，我们叫它“小沙龙”，印象派由此产生。印象派的主要代表人物有莫奈、马奈、卡米耶?毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约、修拉以及保罗?塞尚。印象派的名字出自莫奈的《日出印象》，当时的印象派是一个比较松散的组织，没有宗旨，也没有纲领，由一群自由的艺术家组成，作品见于小展览。他们被批评家和理论家冠名为“靠印象画画的人”，不同于古典主义和写实主义对主流文化的阐述与刻画，他们的题材发生了质的变化，古典主义和学院派绘画题材以神话故事为蓝本，主要以古希腊神话故事和宗教故事为主而从印象派的开始就有了质的变化，印象派取材于自然，他们所描绘的一切景致均以自然为摹本，而不再是主观臆造。莫奈的《印象日出》就比较典型，第一色彩，第二笔触，第三空气，从这三个角度去考虑，一下打乱了传统的古典主义描述自然的方法和方式，用一种比较新的语境来阐述自然的变化。莫奈以风景画为主，很少描写人物，色彩对比强烈。作为印象派代表人物之一的莫奈，他最大的贡献是色彩。如果说古典主义和写实主义是我们看到的现实，那么印象派就是我们感受到的现实，这里面有湿度、温度、空气以及空气的流动，这在原来的学院派和古典主义表现里是从来没有的。换个角度来讲，印象派画家在进行一种更深入的对自然的描述行为，而不仅仅是表面上、形态上的描绘，他们在追求自然变化的描述。

　　莫奈的作品《鲁昂大教堂》，画了一二十幅，在不同的光线下以接近科研的方式去描绘，表现日出、日落……，莫奈非常有意思，他对一个现实能够反复地去描述，而且不厌其烦，色彩变化、冷暖变化、光线变化，表现得非常细致。莫奈是一个描述现实风景的画家，他通过色彩语言表现自然，往往忽略了客观对象的边沿和形状，给人一种朦胧的感觉。透过画面，我们能感受到强烈的光线打在干草垛上，阳光刺眼，甚至能感觉到接近现实的温度。印象派的贡献在于色彩的运用更加淋漓尽致，并向前推进了一步，依据棱镜原理，通过对色谱的分析，将七种光线和色彩发挥到了极致。

　　有人说印象派的作品比较潦倒，我们来看毕沙罗的作品，他的笔触非常碎，远看笔触是一笔一笔的，眯起眼看会看到一个非常真实的景色，包括空气、透明度、清新的感觉等，这是印象派给我们的感觉。

　　印象派在色彩运用上还有一个非常大的贡献，叫作色彩并置。比如用绿色时，不直接用绿色画，而是用黄色和蓝色并在一起，给人一种绿色的感觉，产生更深的跳跃感，而我们的视线会主动平衡它们之间的色彩关系，然后产生绿的感觉。

　　印象派的冷暖色对比是人类绘画史上最出彩的地方，后期的梵高也是运用冷暖色的对比。同是一个稻草垛，不同光线、不同温度、不同场景下，感觉会有所不同。物体虽简单，但莫奈以科研的态度解释绘画的深度、广度及其运用，非常具有研究性。莫奈主要通过色彩运用、色彩对比来阐述自然的色彩变化和自然界的温度描述，为我们提供了一种表达的基因。

　　马奈《草地上的午餐》是现实主义题材的作品，在古典主义和学院派文化为基础的现实状况下，他的画是非常出格或者说是非常反动的。裸女画的很庸俗，不具美感，不像安格尔《泉》中的美女，古典主义和学院派的人物很完美，但离我们生活中的人很远，是理想化的产物，马奈画的非常负面，这种负面情绪带自什么境遇呢？来自现实，她离现实很近，绅士坐在草地上，前面有食品，郊游的感觉，是非常明显的现实主义题材，同时又有别于现实主义，背景是在沐浴洗澡的女性，整幅画构建了一个虚假的现实。古典主义和学院派描述的是理想的现实，到了莫奈描写的是客观的现实，而且真实到用显微镜、放大镜，甚至用体温去了解的现实，到了马奈则提供了一个在现实之外的梦幻般的现实，这是非常大的进步。

　　马奈《吹笛少年》，很有东方的梦幻感觉，平面化，不是很客观。毕沙罗的作品乍眼一看是现实主义作品，但是仔细看则是资产主义独有的休闲和情调，然而在此之外还有一些隐藏的内容，即假现实因素。

　　与以往相比，印象派在几个方面有所突破：第一，色彩不同。第二，表现不同。第三，强度不同。这个强度是客观描述所没有的，带有很强的主观色彩，将看到的客观现实用比较概括的方法进行描述。

　　德加早期是安格尔、达维特的学生，很有古典主义的影子，但又与古典主义有所不同，表现在色彩刻画上。德加的人体和舞台系列非常美，与古典主义人物画相比，首先构图不同，古典主义构图宏大，人体刻画得像青铜一般，肌肉很结实，结构有力量。从古希腊到文艺复兴再到古典主义，首先结构准确，其次华丽唯美。而印象派的构图慢慢简单化，且描述的场景与角度变化很大，对人体的表述也完全改变了，没有英雄主义，没有史诗般的构图，没有完美的对象，却更接近真实感受到的人体，第一自然，第二随性，不需要内在内容的支撑来表现题材，完全是自然的一部分；其次是色彩，德加完全通过色彩来表达一种场景。

　　德加表现的生活场景有些像摄影，是对稍纵即逝的抢拍，不是永恒题材的表现，也不注重大题材、典型题材、典型人物，而是重视生活的一个瞬间、一个场景、一个侧面。眼光更加多样化，更加全面，不只用一种主观态度去看社会，而是慢慢多元化、多角度、多取材、多取向地看待社会，这是印象派一个极大的变化。德加描绘的场景非常轻松，光影变化非常具备绘画感，这种绘画感是抛出题材之外的愉悦感，这是印象派之前所没有的。通过色彩、构图、光影的变化，让我们了解和感受，从而达到对绘画更深的理解，这种方式是印象派开始的。如果将这种题材放在传统艺术中完全不能成为一幅完整的绘画，因为太潦草，但在印象派中反而是一种新鲜的尝试，这种新鲜感非常重要。

　　修拉是印象派稍微晚一点的成员，他很有意思，一个人竟创立了一个流派，叫作点彩派。印象派的绿色是由黄蓝两种颜色并置，而修拉运用点彩，将一点一点的颜色互斥对比，即把不同的颜色并置到一起形成一个完整的视觉感受。《大宛岛的星期天》，三米多高，色彩并置给人完美的感觉，不同颜色的点点在一块时产生了一种视觉差距，形成了一种很强的画面感。印象派的一些艺术表现手法对后来的艺术发展影响颇深，西方美术史的进程中，修拉也是一个比较重要的节点，叫作色彩并置。今天的西方艺术作品，通过色彩并置为表现手法的一些绘画，其源头可能都在修拉。我们要记住富有创造性的历史节点，记住印象派艺术家们极富探索精神的创作。

　　雷诺阿也是印象派一员，主要描写人体，画的非常“奶味”，他用的颜色非常粉，给人很美很甜的感觉，而且画的非常丰满。作品中的女士穿着裙子，除了亮度的几处颜色偏暖一点外，背景几乎是淡蓝色，冷暖对比表现得非常明显。背景以冷色为主，中间还有几块暖色，是草地上的光反上去的效果，这几块暖色非常重要，通过它们来表现对象的亮面和反光效果，而暗面就是偏冷的颜色，印象派之前的绘画描述客观现实时通过明暗来表现变化，比如达芬奇画的鸡蛋，而印象派则通过色彩，且描述的非常高级。雷诺阿的人体具有古典主义气息，比如人体的形态、坐姿，透露出很强的古典主义美，古典主义第一有份量，很扎实的感觉，有一种建筑感；其次结构稳定，像山一样的构成，不飘。德加表现的是过程中的人体，在运动中、舞蹈中，或是场景中一闪的瞬间，而雷诺阿的作品很稳定，人体的动作一定会保持很长时间，所以更具备古典主义特征。

　　毕沙罗的画比较热情，色彩并置更加强烈一些，猛一看特点不明显，但是后期特点非常突出。毕沙罗描述的几乎是最简单的风景，却表达出了最强的感受。巴黎街景，雨后湿漉漉的感觉，以往几乎没有哪位艺术家描述过这种感受，地是湿的，空气是湿的，看了就感受到闷热的温度和程度，真是一绝！画风景以色彩表达出这种感受，是最高级的。印象派题材风景居多，人物极个别，比如德加、雷诺阿，主要还是以描述自然为主。

　　总结一下印象派，一是色彩，二是强度，三是温度，四是描述，五是简单，六是表现，这些因素把一些人圈在一起，成立了一个所谓的沙龙，搞印象绘画，现在看来，在当时似乎不是一个很正面的名称，有点嘲讽的口吻、不屑的态度，但不可否认的是印象派对以后的艺术流派发展起到了很大的作用，直接催生了后印象派。

　　后印象派 | 梵高——用生命感受绘画 

　　如果说印象派在表达客观、描述自然上更近了一步，那么后印象派就更近了一步，回到了本我的情绪里。梵高一生中画了40幅以上不同形态的向日葵，他是人类美术史上比较有故事的人，他活了34岁，寿命很短，作品很多，而且每一幅作品几乎都是用生命和热情完成的作品。梵高本身的人生经历极具艺术感和悲剧感，他的绘画与他的人生比较贴近。古典主义与印象派的艺术差异在于，古典主义和学院派之前的艺术几乎与画家本身的命运关系不大，只要有很好的构思和题材几乎就可以表现出很好的作品，而自后印象派以至今的艺术，其主要构成、内在因素可能与艺术家的热情、生命以及认知息息相关，梵高是比较典型的人物。

　　梵高早期有精神方面的疾病，有人说这种精神疾病导致他有很好的艺术创造，也有人说因为他有很好的艺术创造才导致疾病。客观来讲，梵高首先是一个正常人，他的心智是正常的；其次他是一个病人，他的感觉一定是超常的，当这种超常超出正常范围时就形成了疾病。《星夜》，完全是一种病人的状态，星星月亮不可能这么大的，梵高放大了光明的信号，而且还在动，他放大了情绪信号，这种放大手法存在一个表现问题，即他表现的不是客观现实，而是他自己看到的现实。别人看到的星夜和他看到不同，梵高看到的完全是情绪化的、主观化的，强调表达自己的看法和感觉，我们能够感受到他在画画的时候，情绪绝对不是心平气和的，就像一种非常强烈的音乐，是处于某种冲动状态下的表达。梵高用生命和感受绘画，他屏蔽掉了头脑、想法，完全靠血液、靠感受、靠激情来表达绘画。直到今天，像梵高一样用心性和热情去表达的艺术家确实不是很多。

　　梵高画自画像也很多，一辈子画了十张左右，比如《包扎着耳朵的自画像》。梵高一直孤身一人，他有一个愿望，就是想找一些志同道合的艺术家一起搞艺术，梵高有一个朋友高更，两人非常要好，他向高更表达自己的意愿，提议结伴做展览，梵高的艺术能力非常强，但智商可能确实有问题，他写了一封信，把自己的耳朵割下来1/3，装进信封一并寄给高更，以表达对艺术多么的热爱，多么的热情，以及对高更多么的期待。高更以调侃的方式，表面上答应他，做沙龙搞展览找艺术家，但最后高更却欺骗了梵高。梵高的后十年几乎在疗养院度过，病情好些时就出来，但很落魄，住大概五六平米的小屋子，病情糟糕时就回到医院。

　　梵高一生中唯一帮助他的人是他的哥哥，我们今天能够知道梵高，就是因为有他哥哥。他哥哥在巴黎的一个画廊做艺术相关的工作，同时也办展览，他一直有一个愿望，就是帮助弟弟卖画。他哥哥一直为他提供经济上的支持，梵高死后，他哥哥把他的作品展示给世人，才有了今天看到的那么多作品，如果没有他哥哥的帮助，也许梵高的画就变成垃圾被扔掉了。

　　梵高34岁自杀，他拿枪对着自己的肚子开了一枪。关于自杀的原委有几种版本，一种版本说他开枪后跑到一家咖啡馆说我还想活，我是失误，我很后悔，大家救救我，最后没有救过来。另外一种版本是，他开枪以后，医生在救他的时候，他拒绝，他说我要死，是主动自杀。我查了一些资料，更倾向于是一种失误，因为他的疾病属于妄想、幻觉，在这种情况下给自己肚子开一枪应该很正常，可能这一枪触动了他比较清醒的意念，反悔也很正常。

　　梵高的一生，活到三十几岁，画了很多画，他的画是印象派绘画中到目前为止卖的最多、，价格最高的，而他的一生却没有因绘画受益过一分。梵高谈过一个女朋友，只相处了三天，最后身无一物离开了人世，是个悲剧性的人物。但另外一方面讲，二百年后大家都会记住他、怀念他，看到他的作品还会感动，这也是上帝给他最好的报答吧。虽然梵高的一生充满了悲剧色彩，但上帝给了他非常好的才能，又给了他非常短暂的时间，而他把才能发挥得淋漓尽致，因此，他绝对是一个非常幸运的人。

　　梵高的绘画，颜色很漂亮，如果把他的每一幅画里的每一平方抠下来单独欣赏，每一块颜色就像宝石一样，透明、好看，这是除了他表达能力极强以外，对色彩的驾驭游刃有余的体现。印象派的色彩虽然很漂亮，但是没有一个人像梵高这样，颜色用的那么浓、那么透、那么美，梵高的色彩完美到用语言很难描述，作品的每一块局部真的像宝石一样晶莹剔透。

　　梵高除了在医院住，几乎是在自己的小画室里了此残生，什么都没有我们设想一下梵高的生命圈，他从街角咖啡馆仰望星空，诞生了《星夜》。他的生活半径非常小，除了在医院和画室画罂粟花等静物以外，就是村边的风景和街景。梵高还具备无产者的心态，也表达一些劳苦大众的内容，很有同情心。他除了画画什么都不干，基本上也干不了什么。梵高的用色为什么很偏执？画着画着没有这种颜色了，就把其它的大量颜色用上，也可以理解为色彩越是极度匮乏就越是偏执。

　　梵高的绘画看起来有一些病态的因素，这种病态可能现在描述起来会比较有诗意、比较有个性，这和他的生存环境是相关的，请记住他的是表现。

　　后印象派 | 塞尚——颠覆客观现实的理性分割 

　　塞尚是把看到的现实分成几何形状、几何形式、几何色彩，《埃斯泰克的海湾》里的建筑物与现实有区别，现实中的房子不是这样，画中的建筑是错乱的，完全是一些几何形状，而且不受客观现实的约束，因为客观现实产生的几何形状有透视、前景、后景、地平线，但是这些几何形状只和物体有关，与视角无关。现实中，我们看事物几乎只有一种视角，我们不可能同时看到两种现实，但是塞尚画的房子视角是不同的，通过色彩画在分割线上。《静物苹果篮子》，塞尚把绘画变成一种理性剖析现实的办法，非常冷峻，富有哲理，不像梵高那样注入热情，是一种极其奔放的表达、一种自然的流露，他非常理性，像外科手术一样非常工整规矩。塞尚的画面构成感极强，和几何形式一样，一方面是客观现实的构成，另一方面画面本身也在构成，高低错落。我们看塞尚的作品，可能会理解不了，感觉既不美，又没有什么意义，但实际上这些构成中隐藏了很多因素，是改变传统绘画的很重要的一些因素。

　　塞尚的静物，从桌子的边缘透视看盘子的透视，显然是不成立的，如果现实真是这样，这些果子是放不下的。画面很完整，塞尚非常主观地认为物体这样放，画面是成立的，但现实感被颠覆了。这也给毕加索提了醒，艺术包含诸多元素，热情能造就艺术，描述能造就艺术，那么，冷静的思考是不是也能产生新的理念和新的角度呢？几何构成颠覆了传统因素，更具画面感，艺术家完全依据画面需要来构成。

　　印象派，包括后印象派，与以往的艺术流派不同的最大特点是：

　　第一，古典主义和学院派之前，绘画追求美、追求好看，艺术逃避不了社会责任，要求描述和记录重大历史事件，人像、场景都靠绘画记录下来，需要如实地描述客观现实。从印象派开始，社会背景和历史背景发生了很大变化，伴随着法国大革命的开始，迎来了信息时代，工业大革命以后，绘画的责任有所改变。这时有了摄影术和电影胶片，绘画不再有描述的责任，因为照片要比绘画更加真实、更加贴近现实。绘画开始从记录事件、人物的责任中解脱，更偏重于自我表达，艺术家从现实回到了内心和感受中，这就会出现一个问题，印象派之后的现代艺术所描绘的对象不再是大家需要的对象，而是艺术家自己需要的对象，这就是表达，一种内在情绪和内在感受的表达，而不是客观描述，不是现实记录。

　　通俗讲就是想怎么画就怎么画，因为“我是艺术家，我是自由的”，可能这是比较根本的因素。看到印象派的画和当代艺术的画时，千万不要奇怪不好看，因为每一个艺术家都有自己的角度和企图，以及研究方向。每个人对事物本身或者色彩或者形体的兴趣都不一样，塞尚可能对几何构成、画面分割有兴趣，他的画面就具备这些感受。塞尚的自画像，盘子飘起来，悬空在半空中，有梦幻般的感觉，瓶子不以客观现实为基础受到约束，而是以主观的表达作为主要形式，完全是主观感受，而不是现实。塞尚的画很虚，有超现实主义的美，漂浮的形式和感觉在之前的流派中是没有的，后来很多人在他们的绘画里找这样的因素，达利的超现实主义绘画就源于此。风景不重要，表达更重要。第一是几何，第二是漂浮感，第三是立体。

　　后印象派 | 高更——回归原始朴素的生命状态 

　　高更导致梵高割了自己的耳朵，他的经历也很有意思。高更本是一个银行小职员，在巴黎，两个孩子一个老婆，有马车，生活稳定，家庭和美。忽然有一天他说要搞艺术，便离开家，一个人来到塔希提岛，再也没有回过家。有时候绘画不一定需要具备很好的基础，高更37岁以前没有从事绘画的经验，也没有学过绘画，忽然间的脑子一想，就一个人跑到塔希提岛，开始了他的绘画生涯，成为了一个非常伟大的改变历史的艺术家。

　　高更、塞尚、梵高是后印象派非常重要的代表人物，但高更的发展方向和梵高、塞尚都不同他的绘画与梵高的热情有区别，与塞尚的几何、冷静、分析客观也有区别，他的绘画极具含义，极具哲学理念，探索“我们从哪里来，我们哪里去”。他虽然是一个艺术家，而作品又与同时代的哲学理念非常吻合，赋予艺术一种新的内容——哲学。高更通过绘画思考人生、思考生命的含义，虽然现在看来这是一个伪命题，但在当时的历史情况下，这是比较有深度的绘画意念，是对生命的追究。他远离城市，远离家人，是为了寻找生命更深的含义，还是寻找更深的生命意义，我们不得而知，他到岛上以后，生命非常愉悦，从来没有回过原来的家庭，这也给我们的人生提供一种新的可能性，人生达成和实践的多样化，高更是非常典型的代表。他放弃了小资的生活，以一种比较浪漫的方式和岛上的土著人生活，以比较酷的形态游走于绘画世界，追寻生命的含义。高更最好的朋友是梵高，梵高唯一的朋友是高更，从人品来讲，高更是一个非常社会化的人，他在社会运作上是非常具备能力的，为什么梵高会把耳朵割下来寄给他？因为他们是非常好的朋友，但他却欺骗梵高，梵高凭着对艺术的一种热情、简单的思维或者快乐，经常上他的当。高更很严重的一而再再而三地欺骗梵高，直到死也没有翻然悔悟。他70岁以后的艺术成就非常大，因为大家逐渐能够理解和接受一些新的艺术，另外和他自身的运作也有关系，高更的画面非常原始，非常朴素，但是他的做人既不原始，也不朴素。梵高的画面非常热情，充满变数、充满感情，但是梵高的做人和智力却停留在十五六岁的水平。

　　印象派和后期印象派的主要市场，是在二战以后，尤其以日本为代表。为什么现在的艺术市场，包括欧洲乃至全世界范围内的艺术市场，最贵的画都是印象派和后印象派的画？第一，时间上离我们不算太远，一二百年的历史，故而资源非常完整。第二，世界文化趋向商业化，偏重经营比较现成的艺术品，二战后世界经济发展，世界经济一体化，导致欧洲人把印象派和后印象派艺术品进行打包、宣传、推广，成为我们现在了解的部分当代艺术。当时主要是针对日本，以欧洲为主的一些画廊、文化机构编出各种理由，当然理论根据也很详实，比如印象派有梵高、高更，有浮世绘元素、平面构成、东方色彩等等。高更的画很有东方情调，确实与日本的浮世绘有关。他的绘画原始味极浓，回到了生命最简单、最初期、最本质的状态，恰当地表达了生命最简单的含义。

　　后印象派 | 毕加索——传统艺术与现代艺术的分水岭 

　　后印象派关键性人物毕加索，他是这个时代分水岭式的人物，从他开始，现代艺术和传统艺术有了区分和界限。毕加索最大的特点容纳百川，他的一生基本涉猎了所有的艺术形式。毕加索是西班牙人，西班牙是出艺术大师的国家。

　　毕加索27岁以前经历蓝色时期，这个时期的作品画面色调偏冷，冷是一种负面情绪，比较悲观，这和他的命运息息相关，年轻时没钱、没名，日子比较难过，但却非常有情调。《拿烟斗的少年》拍卖成交价1.5亿美元。想想他的处境那么困难却还有抒情的一面。

　　《亚维农的少女》，27岁时办了一个展览，这幅画2×2米，跨入红色时期。早期是蓝色时期，从现在开始进入红色时期，也是他成功的开始，主要特点是色彩饱满艳丽，张力大，而且非常热情。大家仔细看，面具部分是以非洲木雕为原形，具备了原始特征，而面具下的头像透视和角度被颠覆了。这幅画是赤裸裸的表达，有原始的感觉，奠定了立体主义诞生的基础。首先，角度变了，透视变了，画面被几何形状割裂了，分成不同的几何形状。立体主义最重要的标志是改变角度、改变视线，原来视线是从一个角度看现实，从一个角度看画面，而立体主义将正面、侧面放在一个平面上，这边是侧面的嘴、鼻子、眼睛，这边是正面的面部和眼睛。

　　“改变视线”的手法从塞尚开始，毕加索创造立体主义是一个根本的变化。如果我们不改变视线，我们会始终认为大地是平的，如果我们改变视线站到高空中去看，我们会发现大地不是平的，而是圆的。霍金说如果换一个角度，时间也能弯曲，实际上这是一种革命。“换角度”、“改变视线”于画面之上也是一种革命，我们理解的现实、表达的现实和绘画与现实之间的关系发生了变化，从毕加索开始，绘画和现实可以完全没有关系，这是立体主义比较典型的作品。

　　毕加索的一生基本涵盖了前面讲的所有内容。为什么说毕加索伟大呢？我们一生中可能在某一方面做出成就，有所突破，就已经很不容易了，而毕加索几乎集各种才能于一身。毕加索的画到底好不好看？不管是艺术家还是普通人，是学生还是老师，每个人都有不同的看法，我们应当平心而论

　　《格尔尼卡》非常著名，绘画题材源于西班牙内战，他是西班牙人，对西班牙内战表达了深深的同情。这张画的复制品在美国联合国总部大厦是和平主义的象征，它是批判战争的绘画，表现内容是战争场景，有炸弹轰炸、建筑物倒塌、挣扎的人群、死亡的人群，有母亲、孩子，有死亡的母亲、死去的孩子，还有斗牛，作品是对战争的讨伐。这幅画包含超现实主义因素，如果用现实主义方法描述一个战争场景一定不是这样的，他运用梦幻的又具有现实特征的因素，比如挣扎的人、叫喊的人，将其夸张了、变形了，这种更强烈的、更夸张的，具有表现主义特征的因素更具有表达性，这种方式也最贴切，如果换一种方式可能就没有那么鲜活和强烈了。这幅画五米多长，不到三米高，在法国世界博览会上展出，是一幅非常伟大的作品，表达内心、表达现实、表达态度这么强烈，且这么具备典型性。这种伟大不在于我们看到了什么，而在于感受到了一种精神力量。

　　毕加索非常高寿，72岁才要孩子，75岁处于古典主义时期，画的人物唯美、古典、温情。他的一生走过了所有的路，从浪漫主义到立体主义、表现主义、原始主义、超现实主义。有一个令很多人非常质疑的问题是毕加索的画挂在屋里好不好看？很多人会排斥，但这只是毕加索一个时期的作品，不能一概而论。毕加索是非常伟大的艺术家，但不一定是非常好的画家，他具备每一个领域、每一个流派的大师所具备的能力。

　　毕加索的雕塑《牛头》，是一个自行车车座和车把的组合，这个雕塑看似很不经意，看似没有太大意思，但实际上我们今天看到的很多艺术形式都是从这儿来的，比如装饰艺术、现成品艺术、装置艺术等等，随意拿一个东西只要改变命题就能成为艺术品。这件作品本身的伟大之处在于它的开创性，它是一种艺术形式的起点甚至源头，我们今天看到一些装置艺术、城市雕塑就是从这儿来的。毕加索一生几乎是没有任何刻意的创作，但他把当代艺术的内容都充分地表达出来了。今天美国流行的脱口艺术，最重要的一个因素是流行化和商业化，而毕加索晚年的创作也有流行因素，比如非洲木雕。毕加索完成了艺术形式的整个过程，这是晚年的作品——《海滩上奔跑的人》，古典主义因素很浓，服装风格又回到地中海、回到古希腊，造型很具有份量感。

　　历史上评价毕加索的伟大，不是画出了一张两张的好画，而是他的一生横跨了今天我所讲的内容：

　　第一，假现实创立了超现实主义。第二，色彩并置表示立体主义。通过这些要点，在毕加索之后，各种艺术形式、各种艺术形态开始在这个时期定型，基本的内涵和形式固定下来，从印象派开始，逐渐摆脱了古典主义和描绘现实的艺术形式之后，一步步建立。

　　最后，作为一个总结者、集大成者，毕加索把这种艺术形式发扬光大，才有了今天的各种艺术流派。行为艺术与装饰分不开，现在的脱口艺术与流行分不开，现在各种艺术流派的根基从哪来？比如色彩和热情的碰撞，最后发展成为很抽象的表现主义。如果我们有了一个基本概念，再去了解当代艺术，大家就能找到脉络。

　　今天就说到这，谢谢大家！

　　爱问 

　　刘  总：鲁本斯的画很不写实，为什么归为古典类？把他从印象派中分离出来？他画的人物很肥硕。

　　黄进明：鲁本斯的画很好，而且还是御用画家。他属于古典主义。

　　鲁本斯的人体画的非常好，人体画画家我最欣赏两个人，一是格列柯，一是鲁本斯，格列柯在文艺复兴之前，画的很瘦、很抽象，变形，很具有表现性。鲁本斯的人体画的最美，第一丰满，第二丰仪，第三热情和姿色，鲁本斯最好的一幅人体画是《抢夺留希普斯的女儿》，到现在为止，我认为鲁本斯的人体画是最牛的，归类还是属于古典。

　　刘  总：他的画是写实的？

　　黄进明：写实和抽象是两个内容，写实是指用具体的办法表现具体的事物，印象派之前的所有艺术形式基本上是具像的，表现手法是写实的，从毕加索之后才开始有了抽象手法，这里的“抽象”也是后来我们所谓的“抽象”，抽象指的是在画面中找不到具体的形状，找不到具体的参照物。鲁本斯属于古典的范畴，他的画非常好。

　　今天的讲座第一时间紧，第二因为绘画本身离大家不是那么近，大家平时接触不多，我在很短的时间内讲了很多内容，所以尽量通俗化和故事化，不那么学术性和专业化，如果大家有一些想法或者有一些不明白的地方，希望我们多多沟通交流。愉快的一个下午，通过这次聚会，我们彼此都认识了。如果能分享和探讨一些关于艺术的现象或想法，首先是非常愉悦的事，其次也是比较幸福的事，同时我们还能增长一些知识，希望大家建立起这种联系，未来涉及到艺术话题时，我们也会有一个很好的沟通，谢谢大家！（确牛）